무한으로 돌아가다

Cha Jongrye works with wood, for it is soft and warm. She puts his mind into wood, for it gently receives her gestures and breaths as they are, irrespective of its disposition, or even when it is exceptionally as hard as stone. The artist keeps on talking with it in this or that way in which big or small wood lumps meet one another and small similar pieces are linked one by one. She sometimes moves her body and soul to delve into it to look for forms and other times, speaks to it to draw them out. By carefully knocking and carving, she awakes nature as well as herself and by uniting wooden slivers together and grinding them, she weaves a rug of simple landscapes of our lives. Her works, thus, could be in themselves all things in nature viewed from the far end of the sky. Or, they could be also a reflection of the inner rhythms of nature, which remain eternally invisible to our eyes.

For these wood sculptures, the artist came near nature and gave herself body and soul to it, looking at, patting, raising and stroking its breathing and emotions. Her works are in some sense a result of stoic practices which would require repetitive and laborious works. They appears to give evidence that the artist may have practiced silence as the Buddha did, or that she may have made Zen meditation. Cha does not take the material of wood as a ‘means’ to manifest her plastic desires, but as something that relates to the ‘process’ of profound self-reflection to throw away and eliminate her desires and purify her mind. Simply accepting her working process—which is futile, hopeless and seems to have no end— as her karma, she controls the agony and weakness inherent in her and further ruminates on these or those agonies and weakness of the world which is hurt by selfish desires.

Totally giving herself to wood, she subdues and governs the vicissitudes of life. Similar shapes in different sizes and heights which were made by carving and chiseling emerge here and there in her works. They seem to spring up collectively from the ground, rather than to be whittled piece by piece. Through them, the artist suggests another possibility of communication, or a beautiful way of appearing and disappearing in which the order of appearance is hardly perceived, or you can never determine which one is the first and which one is next. And this was done not through direct exploration of the materiality of wood; she naturally followed or went against its grains, frequently carried away by the stream of consciousness as if in a state of undifferentiated integration of things and self.

Beating and waiting are another hallmark of these wooden structures. Their surfaces are finished by thousands of beatings and carvings, which are likely to inflict injuries to wood. However, these are one of the artist’s own ways of communicating through which she speaks to and gives her heart to wood. The marks bearing her trembling hands and the resonances revealed by wood form a warm harmony. Both of the artist and her material acknowledge their differences, making efforts to shorten the gap between them rather than fighting with each other. So you will be able to witness the incessant flow of repetition and proliferation, appearance and disappearance in her works, which reminds you of the uncertainty and transiency of our life. And you will also see how she gave eternity to the physical external rhythms and psychological inner ones of both nature and herself which she extracted by putting herself in a state of integration of things and self and gave eternity to them.


The exhibition Return to Limitless presents twenty pieces of the “Expose/Exposed” series which bear the warm inhalations and exhalations of the stories between the artist and nature. Cha arranges a special place for meeting between our life and nature, both of which go far beyond all limits and borders, as well as calls into the exhibition space the world of the limitless which opens wide to the universe. Flowing with immaterial energy, her sculptures represent the external and inner rhythms of all beings in nature in the state of complete absence of ego. Those little sharp forms composing each work are wriggling upward as if to touch the sky. They, that is, the modules are getting smaller upward as if to indicate the countless layers of time piled up in nature and universe. They are twisting upwards in their own disparate directions, until they evaporate or disappear into the limitless, leaving only their points. They return to the origin of beings. This is why the artist presents them in the present tense, as something living and squirming, rather than as the complete reality. Thus, the physical strata inscribed on their bodies as the mark of million years could be regarded as a sign of organisms.

Cha Jongrye’s work is the process of encountering ‘another I,’ not the familiar self. It is also the process of looking for what the Buddha called the ‘true I,’ as well as the ultimate goal of her art. This self-composed artist flatly refuses to apply any external force on her art, but chooses to understand, perceive, and find herself by actively moving her body and soul of her own free, voluntary will. Thus, the exhibition will offer a great opportunity to appreciate the materiality and the grain of wood as well as the spiritual texture of the artist who always works as if she built the “thousand Buddhas and thousand pagodas” from an ancient Korean folklore.

Tcheon-nahm PARK

Chief Curator, Sungkok Art Museum, Seoul, Korea

차종례는 나무를 재료로 작업한다. 부드럽고 따뜻하기 때문이다. 돌만큼이나 딱딱한 나무도 여럿 있지만, 그것의 성결과는 크게 관계없이 자신의 몸짓과 호흡을 온전히 받아주는 나무에 마음을 실어낸다. 크고 작은 덩어리째로 만나기도하고 작고 비슷한 단편들을 하나둘 이어가면서 나무와의 이런저런 이야기장을 펼쳐나간다. 몸과 마음을 움직여 형태를 찾아들어가기도 하고 이야기를 건네며 끄집어내기도 한다. 조심스레 두드리고 쪼아내며 자연과 자신을 깨우고 잘게 자른 나무 단편들을 이어붙이고 갈아내며 소소한 우리네 삶의 풍경을 직조한다. 이러한 차종례의 작업은 저멀리 하늘 끝에서 누군가가 내려다본 세상의 삼라만상(森羅萬象)일 수도 있고 어쩌면 우리가 보지 못하는 대자연의 심오한 내재율(內在律)일 수도 있다.
이렇듯 몸과 마음으로 자연에 다가가 그들의 숨결과 감정을 바라보고 두드리고 일으켜 세우고 어루만진 차종례의 나무작업은 지난한 노력과 행위가 반복되는 인고의 수행과정이다. 그것은 불타의 묵언수행(黙言修行)과도 같아 보인다. 작가 특유의 참선으로도 보인다. 작가는 나무라는 재료를 자신의 조형적 욕심을 드러내기 위한 “도구”로서 취하기보다는, 그러한 모든 이기적 욕망을 스스로 던져버리고 지우면서 마음을 정화시키는 속 깊은 자기 성찰 “과정”으로 받아들인다. 차종례는 끝이 안보일 것 같은, 무모한 노동과도 같은 작업 과정을 숙명처럼 받아들이며 자신의 내면에 잠복되어 있는 번뇌와 나약함을 다스린다. 나아가 그러한 이기적 욕망에 의해 스스로 상처받는 세상의 이런저런 나약함과 번뇌를 반추한다.
차종례는 온전히 나무에 자신을 맡긴 채 세속적 영욕을 다스리듯 잠재운다. 깎아내고 쪼아낸 행위의 결과와 비슷비슷한 형태가 그 크기와 높낮이를 달리하며 작품 속 여기저기 출몰한다. 하나하나 깎아내었다기보다는 대지로부터 한꺼번에 크게 솟아난 듯한 형국이다. 작가가 제시하는 또다른 소통가능성과 순서가 확연하게 드러나거나 잡히지 않는, 결코 선후를 다투지 않는 아름다운 출몰을 경험할 수 있다. 나무라는 재료가 지닌 물성에 대한 직접적 탐구라기보다는 그것이 지닌 결을 따라가며, 혹은 거스르며 의식의 흐름을 반영해내는 차종례식 물아합일(物我合一)이 시선을 끈다.
차종례의 작업에서 두드러지는 특징 중 하나는 두드림과 기다림이다. 전시된 일부 작품들의 표면에서 볼 수 있듯, 무수히 많은 두드림과 쪼아내는 행위가 반복된다. 나무에게는 상처일 수 있는, 나무에 이야기를 건네고 마음을 전하는 차종례식 대화 방법 중 하나다. 나무에 드러나는 작가의 떨림과 나무가 드러내는 울림이 정겹다. 다투기보다는 서로의 다름과 차이를 인정하고 그것을 심리적으로 좁혀나가려는 작가의 따스한 마음이 빛난다. 반복과 증식(增殖), 생성(生成)과 소멸(消滅)을 끊임없이 거듭하는 그의 작업은 우리네 무상한 인생과도 닮았다. 차종례는 나무라는 재료가 지닌 물성에 대한 직접적인 탐구보다는 그것이 지닌 숨결을 존중하고 따라가며, 혹은 거스르며 대자연의 기운과 자신의 의식 흐름을 반영한다. 이렇게 끌어올린 대자연과 작가의, 물리적 외재율과 심리적 내재율은 시나브로 영원(永遠)속으로 사라진다.
이번 전시는 차종례가 생활 속에서 자연과 나누는 이야기가 따스한 들숨과 날숨으로 배어 있는 “드러내기와 드러나기” 연작 20여점을 소개한다. 규모는 크지 않지만, 그 무엇으로도 테두리지우고 한정할 수 없는 우리네 삶과 자연, 차종례가 제시하는 특별한 만남의 장(場), 우주를 향해 활짝 열린 무한(無限)의 세계가 가득하다. 존재의 외재율(外在律)과 내재율(內在律)을 따르는 무념무상(無念無想)의 표상(表象)과도 같은 차종례의 작업에 스며있는 비물질적 기운이 압권이다. 작품 속 형상들은 하늘에 닿으려는 듯 몸집을 줄여나가며 이리저리 꿈틀거린다. 우주와 자연에 켜켜이 쌓여 있는 영겁의 세월을 증거라도 하듯 규칙적인 모듈의 감소를 드러낸다. 나름의 방향성을 가진 이들은 결국 각각의 꼭지점을 남기고 증발하듯 무한으로 사라진다. 존재의 시원으로 돌아가려는 몸짓이다. 차종례는 완성태로써 이들을 드러내기보다는 살아 꿈틀거리는 현재진행형으로 제시하고 있다. 물리적인 퇴적지층의 형식으로 영겁을 증거하기보다는 생물로서 그것을 인식하고 있음이다.
차종례의 작업은 자신이 알고 있는 “나”가 아닌, “또다른 나”를 조우하는 과정이다. 그것은 불타가 말하는 “참된 나”를 찾는 과정일 것이며 작가가 수행하는 작업의 궁극적 목적일 것이다. 그의 작업은 주위 다른 누군가로부터 어떤 힘을 빌려 전개하는 것이 아니라, 내면에서 우러나오는 자율의지를 따라 적극적으로 몸과 맘을 움직여 깨닫고 걷잡는, “참된 나”를 찾아가는 과정이다. 이번 전시는 마치 천불천탑(千佛千塔)을 빚어내듯 공들여 쌓아 올려낸 차종례의 심결과 재료의 물성 그리고 결을 동시에 살필 수 있는 좋은 기회가 될 것이다.
성곡미술관 학예연구실장